L’histoire d’Archie Shepp est indissociable de la personne et de l’héritage de John Coltrane, car rarement un grand musicien a oint un plus jeune pour lui succéder, à la fois symboliquement et pratiquement. Trois ans avant la mort du grand saxophoniste novateur, Shepp avait tellement apprécié son patronage qu’il avait rejoint Impulse ! (on le sait, Coltrane avait plus son mot à dire sur ce label qu’un simple musicien), de l’inviter aux enregistrements de sa plus grande oeuvre (« A Love Supreme »), de le soutenir sur son premier album avec quatre de ses compositions, jusqu’à et y compris lui sur le pour apparaître sur la couverture du même disque. La discographie de Shepp porte désormais clairement son empreinte personnelle, mais il est difficile de ne pas voir l’influence du grand professeur, principalement dans l’esprit et l’approche, sinon dans les chemins musicaux qu’il a finalement empruntés.
Des parcours musicaux bien sûr complètement adaptés aux temps nouveaux et aux nouvelles conditions musicales et sociales que Shepp a connues. L’émancipation noire, la recherche des racines africaines, mais aussi une vision du jazz comme médium capable d’absorber diverses tendances musicales issues de nombreuses sources historiques, géographiques et sociales, ont dominé les années 70 en particulier et il existe peu de discographies dans lesquelles cela se reflète comme tel. fortement comme chez Archie Shepp. Grand en taille et en qualité, peut-être que le simple fait qu’il ait repoussé les limites fixées par les critiques de jazz blancs et restreint par les artistes noirs justifie pourquoi cela n’a pas fait de Shepp un nom encore plus grand qu’il ne l’est déjà.
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musique de feu
(Impulsion!, 1965)
Musique de feu et maintenant vous n’êtes pas d’accord. Un disque étonnant à tous les niveaux qui jouera avec votre esprit car il devient tour à tour mélodique et chaotique et comme bon vous semble. Trois instruments à vent (saxophone, trompette, trombone) créent un fouillis sonore délibéré qui descend soudainement dans des moments mélodiques clairs (oserais-je dire bluesy), pour ensuite disparaître à nouveau. Comme des papillons se rassemblant sur les flammes. Des flammes alimentées par la base rythmique sèche de la basse et de la batterie. Une composition est dédiée à Malcolm X et clarifie les intentions politiques de son créateur, une autre au film tout aussi politique de Bunuel (comme tous ses) Los Olvidados. Et en plein milieu se trouve une performance de « The Girl From Ipanema », qui entre les mains de Shepp prend une dimension complètement différente d’une chanson pop joyeuse.
Maman trop serrée
(Impulsion !, 1967)
Shepp a réussi synthétiquement ici. Ces explosions gratuites, ces explosions sauvages et colériques et, dirons-nous, ces cris sont équilibrés avec l’élégance et la retenue du hard bop de la dernière décennie. Une folle improvisation sur l’un des meilleurs disques de free jazz de tous les temps. C’est Shepp dans son monde le plus improbable. Saxophone, trompette, tuba, trombone, clarinette. Du free jazz avec des instruments d’orchestre. Il a pratiquement utilisé ses idées pour créer un art qui coexiste avec la lutte d’un peuple, un art des âges. Bien que moins abstrait que d’autres artistes d’avant-garde, ce chef-d’œuvre est l’aboutissement d’un esprit collectif. Un petit big band à côté d’un saxophone trépidant. Des moments incroyables où la flexibilité est une définition et la magie est un titre !
La magie de Ju-Ju
(Impulsion!, 1968)
Oui, il reste libre et expérimental, mais ici son son est plus traditionnel et spirituel. Si nous associons simplement le son de ce disque à un duo musical simultané de Sun Ra et John Coltrane, nous ne serons pas tombés loin. Il a une approche afrocentrique des rythmes et de la batterie. Et quelle batterie, n’est-ce pas ? Deux batteurs et un flot de percussions très mouvementé. Cet artiste réussit à présenter un free jazz que même les auditeurs sans genre peuvent supporter, endurer, apprécier et aimer. Ce disque est son apogée pour beaucoup, une nécessité pour d’autres et unique pour chacun. Excitation, jeunesse, appétit et innovation. C’est essentiellement un morceau désormais classique du jazz libre / spirituel des débuts, et un morceau de musique incontournable si vous aimez ces styles.
Blues de l’Attique
(Impulsion!, 1972)
Musique contre tous les labels. Contre toute nécessité de classer les artistes et les disques, un chef-d’œuvre d’arts noirs pan-musical inspiré des émeutes de la prison d’Attique de 1971. Contenant principalement des chansons avec voix, il commence par la composition éponyme, un groove funk épique, et s’installe se poursuit avec de la lumière big band, free, blues, post bop et même jazz cinématographique, dans un disque de moments individuels incroyables qui prennent leur envol lorsqu’ils sont pris dans leur ensemble et lorsqu’on n’entend que le rôle de leur séquence dans un concept qui ne s’explique pas, a compris profondément. Le rôle de Shepp sur le disque est plus synthétique, plus orchestrateur, si l’on veut, plus coordinateur, car il donne à la myriade de participants amplement d’espace pour s’exprimer, sans bien sûr signifier que son développement de saxophoniste n’est pas entendu ici non plus.
Quatre pour Trane
(Impulsion!, 1964)
Premier record de Shepp en tant que leader et premier pour Impulse ! il porte l’approbation de Coltrane, qui était en studio pour entendre Shepp interpréter ses propres compositions (trois de « Giant Steps » et une de « Plays The Blues »). La façon dont Shepp a poussé les compositions de Coltrane à leurs limites avant-gardistes, en leur insufflant une excitation et une nervosité supplémentaires, a suffi à impressionner le label et à leur assurer un partenariat à long terme. Ce serait une erreur de négliger le disque en raison de son association avec la musique de Coltrane. Shepp ne se démarque peut-être pas ici sur le plan de la composition (bien que sa seule composition, Rufus, ne rougisse pas devant les autres), mais cela montre à la fois son jeu sauvage et à quel point il avait intégré et représenté ce qui était le jazz d’avant-garde. C’est le point de départ essentiel de la carrière de Shepp, et ce n’est qu’en comprenant à quel point il maîtrise cette musique que l’on comprendra comment il a continué à partir de là.
Blasé
(Enregistrements BYG, 1969)
Enregistré en Europe. Produit par Yiannis Georgakarakos. La voix de Jeanne Lee est parfaite et les paroles sont excellentes. L’humanité qu’il dégage et le caractère banal qu’il donne aux chansons est quelque chose de très spécial. Cette pièce poétique s’entend aujourd’hui et nous la pensons moderne et innovante. Alors qu’est-ce que c’était alors ? Pensez-y?! Le jeu de Shepp est très lyrique et reflète quelque chose d’intérieur et de grand. Le son cache quelque chose du blues. Vous pouvez même l’appeler psychédélique parfois. Mais en même temps c’est très éphémère et assez avancé. S’installer à Paris a ajouté plus d’éléments à ses idées et à ses créations. Même dans son jeu. Sans être son meilleur album, il pourrait avoir les morceaux les plus effrayants de tous. C’est un joyau postmoderne pour son époque qui était vraiment en avance sur son temps.
Le cri de mon peuple
(Impulsion!, 1972)
Il est clair que Shepp ne voyait aucune limite à la création musicale lorsqu’il s’agissait de concrétiser la vision artistique qu’il avait en tête, tout en détestant être un snob ou un esthète. Il n’a pas hésité à ajouter des paroles là où il estimait que cela servait son but, il n’a pas hésité à utiliser des formes de jazz alors considérées comme obsolètes (comme l’orchestration à cordes), il n’a pas hésité à utiliser du gospel choral ou des rythmes latins et africains pour faire musique qui les a finalement rendus populaires. Ce qui est plus naturel sur un disque intitulé « The Cry Of My People », qui l’engage une fois de plus sous un couvert religieux dans le sort de la population noire américaine. Il n’est pas exagéré que seul Shepp puisse établir un tel record.
La voie à suivre
(Impulsion!, 1968)
L’album comprend quatre titres (dont un de Duke Ellington) enregistrés par Shepp (son « Fiesta »), le trompettiste Jimmy Owens, le tromboniste Grachan Moncur III (a écrit « Frankestein »), le pianiste Walter Davis Jr. (créateur de « Damn If I Know » ), le bassiste Ron Carter et les batteurs Roy Haynes et Beaver Harris. Les deux morceaux supplémentaires inclus plus tard sur la version CD et initialement publiés sur le CD « Kwanza », bien qu’écrits en même temps que le premier, présentent également le saxophoniste baryton Charles Davis, le pianiste Dave Burrell et le bassiste Walter Booker. La manière dont la tradition du jazz est combinée avec son propre look avant-gardiste est indéniablement merveilleuse et remarquable. Du blues profond, du gospel lourd et beaucoup de swing. Le disque brise les frontières entre post-bop et avant-garde. La capacité de Shepp à mener habilement un groupe de compagnons indisciplinés dans le chaos tout en sonnant tout aussi indiscipliné lui-même rend ce disque exceptionnel et impressionnant.
Il y a une trompette dans mon âme
(Liberté Records, 1975)
C’est sa soixante-dixième sortie. Et cela n’a pas toujours été apprécié sur le terrain à l’époque. De doux moments dans deux suites à l’arôme Bossa, sans surprise particulière. La première partie est agréable à écouter même pour les auditeurs peu habitués à écouter du free jazz ou de l’avant-garde bien connue. Les voix sont mystérieuses et belles, et les cuivres sont dramatiques. Il y a un carnaval brésilien quelque part là-dedans. Mais le titre s’épaissit un peu vers la fin et la seconde face s’accompagne d’un style plus serré, plus artistique. Archie joue très émotionnellement. C’est comme crier, mais pas crier. Un poème brille. Endroit lumineux et actif. Le mouvement inverse de la musique simple à la musique complexe rend l’écoute intéressante.
Attica Blues Big Band en concert au Palais des Glaces
(Bord bleu, 1979)
Nous sommes en 1979 et après 7 ans, Shepp est de retour pour enrichir le disque avec lequel il a d’abord tenté d’aborder, sinon de redéfinir, le jazz big band. Cette fois, cependant, avec un enregistrement live en France qui revient mais n’oublie pas l’année de son enregistrement, comme en témoignent la basse électrique et les synthétiseurs qui font une apparition subtile. Encore une fois, peut-être plus clairement que jamais, le travail de pionnier de Shepp dans les années 70 avait moins à voir avec ses innovations dans le jeu du saxophone qu’avec les nouvelles frontières qu’il poussait dans le jazz en explorant des sons jamais joués auparavant. Sa grande contribution a été l’approche holistique du jazz et de la musique noire en général et comment il l’a mise au service du message social et politique qu’il souhaitait exprimer. Et bien sûr la merveilleuse musique sans étiquette qu’il a laissée derrière lui.
Une compilation
L’incontournable playlist Spotify Archie
1. Hambone (musique de feu)
2. Maman trop serrée
3. Blues de l’Attique
4. La magie de Ju-Ju (La magie de Ju-Ju)
5. Cousin Mary (Quatre pour Trane)
6. Vessie
7. Une Prière (Le Cri de Mon Peuple)
8. Frankenstein (la voie à suivre)
9. Yasmina (Yasmina, une femme noire)
10. Chanson de l’âme (chanson de l’âme)
11. Les choses doivent changer (Les choses doivent changer)
12. Retour Retour (Kwanzaa)
13. Chanson pour le Mozambique (Une mer de visages)
14. Easy Living (Left Alone Revisited)
15. Conséquences (New York Contemporary Five)
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